WAS IST ORGANISCHE ABSTRAKTION? - KUNST - 2025

Die organische Abstraktion ist eine Subtendenz der Abstraktion im Gegensatz zur figurativen Kunst. Dies war der große Trend in der Mitte des 20. Jahrhunderts. Es zeichnete sich durch seine Schematisierung von Formen aus, ohne auf das Objekt zurückzugreifen, und ersetzte es durch undefinierte und / oder mehrdeutige Formen.

Einige dieser Subtrends der Abstraktion waren geometrische Abstraktionen, die 1912 in Paris durch eine Ausstellung von Kubisten entstanden waren. die anorganische Abstraktion oder der Informalismus und die organische Abstraktion, die sich aus den in der Natur vorhandenen Formen ableitet, sie abstrahiert und synthetisiert.

Konzepte zur organischen Abstraktion

Es ist auch als biomorphe Abstraktion bekannt, da sein Hauptmerkmal darin besteht, dass es natürliche Formen annimmt, um sie in Kunst zu übersetzen.

"Abstrakt" bedeutet wörtlich "nicht figurativ". Dabei werden die spezifischen Bilder zerlegt und durch die vom Autor selbst angegebenen Bedeutungen ersetzt.

"Organisch" bezieht sich auf Darstellungen, die denen in der Natur ähnlich sind, wie gekrümmte Formen, abgerundete Figuren oder geglättete geometrische Figuren mit wenigen geraden Linien oder abrupten Winkeln.

Die organische Abstraktion war eng mit den surrealistischen und existentialistischen Strömungen verbunden und manifestierte sich in allen künstlerischen Ausdrucksformen des 20. Jahrhunderts.

Obwohl es zwischen den 1940er und 1950er Jahren seinen Höhepunkt hatte, gibt es seit Beginn des Jahrhunderts Manifestationen dieses Stils, die sich auch bis in die 1960er und 70er Jahre erstrecken.

Die Merkmale des organischen Abstraktionismus, wie das Vorhandensein glatter und welliger Linien, die Hervorhebung der Natur, unregelmäßige Formen und freie Striche, sind übertragbare Prinzipien, wie sie tatsächlich auf jede andere künstlerische Manifestation der Zeit wie die Literatur übertragen wurden. und das Theater.

Die organische Abstraktion hatte in Joan Miró, Jean Arp, Isamu Nuguchi, Henry Moore und anderen die wichtigsten Vertreter sowohl in der Malerei als auch in der Skulptur mit zahlreichen Werken in unregelmäßigen Bänden und Kurven.

In der Architektur begann sich dieser künstlerische Ausdruck in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts zu entwickeln. Organische Architektur sucht und drückt die Harmonie zwischen dem Menschen und seiner natürlichen Umgebung aus; versucht, den Ort in die Gebäude, die Möbel und die Umgebung zu integrieren, um alles zu einer Einheit zu machen.

Das Konzept der Organizität als Nachahmung der Natur ist seit prähistorischen Zeiten vorhanden; Der Ausdruck "organische Architektur" zur Definition von Gebäuden wurde jedoch erstmals vom amerikanischen Architekten Louis Sullivan (1856-1924) verwendet und später von seinem Landsmann und Schüler, dem Architekten Frank Lloyd Wright (1867-1959), aufgegriffen und gefördert ).

Hauptexponenten der organischen Abstraktion

Joan Miró (1893-1983)

Er war ein katalanischer Plastikkünstler, der die gesamte abstraktionistische Bewegung aufnahm, als er in den 1940er Jahren in New York lebte. Sein ständiges Merkmal war die Flucht vor dem Akademismus und vor der Einordnung in eine bestimmte Strömung.

In all seinen Bildarbeiten schlägt das organische Gefühl stark. Die meisten seiner Arbeiten wurden auf Papier und Keramik sowie auf Bronzestichen und Skulpturen angefertigt, darunter "Frau und Vogel", "Mondvogel" im Museum Reina Sofía in Madrid und "Flaschenfrau" im Kulturpark Viera y Clavijo in Santa Cruz de Tenerife.

Henry Moore (1898-1986)

Er war ein englischer Bildhauer, der für seine abstrakten Arbeiten der menschlichen Figur aus Marmor und Bronze berühmt war.

Diejenigen, die die Figur des weiblichen Körpers nachbilden, wie „West Wind“ (1929), der in Portlandstein gemeißelt ist - inspiriert von der Figur des Chac Mool in Chichén Itzá und den Skulpturen von Michelangelo in der Medici-Kapelle - und der Bronzeskulptur "Die Liegende" im öffentlichen Raum in Stuttgart.

Jean Arp (1886-1975)

Er kombiniert Automatismus und Traumtechniken in derselben Arbeit und entwickelt eine Ikonographie organischer Formen, die als "biomorphe Skulptur" bezeichnet wird, in der er versucht, das Organische als prägendes Prinzip der Realität darzustellen.

Eine seiner schönsten Skulpturen ist "Pastor de Nubes" und wird auf den Freiflächen der Universitätsstadt Caracas in Venezuela ausgestellt.

Isamu Noguchi (1904-1988)

Er war ein japanisch-amerikanischer Bildhauer und Designer. Eines seiner Werke aus Edelstahl gewann 1938 den nationalen Wettbewerb zur Dekoration des Associated Press-Pavillons im New Yorker Rockefeller Center.

Später fertigte er Arbeiten unter freiem Himmel an, die nach den ästhetischen Prinzipien japanischer Gärten gestaltet wurden, wobei die Lage jedes Stücks eine entscheidende Rolle bei der Erreichung des integralen Gleichgewichts der Landschaft spielt.

Für Noguchi waren Bäume in seiner Arbeit und in seinem Leben sehr wichtig, bis zu dem Punkt, dass in seinem Atelier und wo er am Ende seiner Jahre sein Museum installierte, die Aufteilung des Gebäudes durch die Lage der bereits vorhandenen Bäume bestimmt wurde.

Juan Soriano (1920-2006)

Er war ein mexikanischer Plastikkünstler, dessen Talent schon früh bekannt wurde. In den 1950er Jahren reiste er nach Europa, wo sein lyrischer Stil gefestigt wurde.

Zu seinen wichtigsten Bildwerken zählen "María Asúnsolo en Rosa" und "Apolo y las musas" sowie auf der skulpturalen Ebene Vogelfiguren wie "La Paloma" (im Museum für zeitgenössische Kunst in Monterrey, Mexiko). Ente “und„ Vogel mit zwei Gesichtern “.

Barbara Hepworth (1903-1975)

Sie war eine britische Plastikkünstlerin, die sehr von der Arbeit von Henry Moore beeinflusst war; Er arbeitete auf innovative Weise mit traditionellen Materialien und legte besonderen Wert auf deren natürliche Eigenschaften.

Es zeichnete sich durch seine Stein- und Holzskulpturen mit Löchern oder Löchern wie "Kugel mit innerer Form" und "Geflügelte Figur" aus.

Frank Lloyd Wright (1867-1959)

Er war ein Bauingenieur, der als Zeichner im Atelier von Louis Henri Sullivan begann, der einen entscheidenden Einfluss auf seine zukünftige Karriere hatte.

Er war derjenige, der den Begriff organische Architektur einführte, bei dem das Bauen direkt aus der natürlichen Umgebung stammen muss. Einige seiner emblematischen Werke sind das Guggenheim Museum in New York (USA) und das Imperial Hotel in Tokio (Japan).

Constantin Brancusi (1876-1957)

Er war ein rumänischer Bildhauer, der als Pionier der Moderne galt. Er hat Werke in Museen in Frankreich, den USA, Rumänien und Australien verteilt.

Eines seiner emblematischen organischen Werke ist "Die Säule der Unendlichkeit" in Targu Jiu, Rumänien, sowie "Der Kuss" und die "Schlafende Muse".

Verweise

1. Carmen Rábanos (2010). Aktuelle Kunst. Universitätspressen von Saragossa. Saragossa, Spanien.
2. Mayra Sámano Cienfuegos (2010). Einfluss der organischen Architektur auf die Baustile der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Postgraduiertenarbeit an der Autonomen Universität von Nuevo León, Mexiko.
3. Alicia Carrera Tovar (2012). Bildende Kunst 3. Ediciones Castillo. S.19.
4. Biographie von Isamu Noguchi. Von biografiasyvidas.com wiederhergestellt.
5. Biographie von Joan Miró. Von fmirobcn.org wiederhergestellt.
6. Eva Font Mendiola (2017). Das unbekannteste Museum in NY. Presseartikel von turismo.perfil.com wiederhergestellt.
7. Biographie von Frank Lloyd Wright. Von Buscabiografias.com wiederhergestellt.