KUBISMUS: INITIATOREN, EIGENSCHAFTEN, STUFEN, VERTRETER, WERKE - KUNST - 2025

Der Kubismus ist eine Kunstform, die 1907 in Frankreich geboren wurde. Diese Bewegung war durch die Verwendung neuer Maltechniken gekennzeichnet, die andere Ansichten der Realität zeigen. Ebenso zeichnete er sich durch die Verwendung geometrischer Figuren wie Kreis, Zylinder und Würfel aus. Der Zweck dieser neuen Technik war es, die Elemente zu ändern, die in der traditionellen Kunst verwendet wurden.

Kubistische Maler weigerten sich, Werke zu schaffen, in denen die Figuren vollständig definiert waren. Aus diesem Grund sind die von den Kubisten gemalten Bilder - manchmal - schwer zu verstehen. Ein Beispiel ist Pablo Picassos Gemälde Mädchen mit einer Mandoline (1910), das die Struktur eines Puzzles hat, das noch nicht zusammengesetzt wurde.

Mädchen mit Mandoline, von Picasso. Das Gemälde sieht aus wie ein Puzzle. Über Wikimedia Commons

Das Interessante an dieser Arbeit ist, dass einige Körperteile der Frau im Profil sind, während die anderen vorne sind. Wie verstehe ich das? Die Idee ist, jedes Stück einzeln zu betrachten und es dann als Ganzes zu organisieren.

Es wird behauptet, dass die kubistische Bewegung auf einer mentalen Übung beruhte, da Maler Objekte nicht so darstellten, wie sie waren oder wie sie gesehen wurden, sondern wie sie sich vorgestellt hatten. Daher war der Kubismus eine Manifestation, die die Entwicklung moderner Ideen schätzte.

Der Begriff Kubismus wurde zu Beginn des 20. Jahrhunderts von Louis Vauxcelles geschaffen, um jene Gemälde zu benennen, die er für minderwertig hielt, da er sagte, dass die Künstler, die zu dieser Bewegung gehörten, nur deformierte Würfel zeichneten.

Diese künstlerische Manifestation war jedoch wesentlich für die Entstehung des Futurismus, Surrealismus und anderer abstrakter Techniken.

Initiatoren des Kubismus

Der Kubismus wurde mit dem Ziel geboren, dass Maler die Natur bei der Schaffung ihrer Werke nicht imitierten. Für die Entstehung dieser künstlerischen Bewegung war der Einfluss der afrikanischen Skulptur, der technologischen Entwicklung und des wissenschaftlichen Denkens wichtig.

Zum Beispiel: Dank der afrikanischen Skulptur erkannten die Maler, dass das Konzept der künstlerischen Schönheit geändert werden konnte: Werke mussten nicht perfekt sein, um eine Botschaft zu vermitteln.

Andererseits hat die technologische Entwicklung - insbesondere die Erfindung der Fotokamera - den Künstlern klar gemacht, dass sich die Welt verändert, da Fotos Porträts ersetzen.

Das wissenschaftliche Denken - insbesondere das, was Albert Einstein enthüllte - war für die Autoren von grundlegender Bedeutung, um zu verstehen, dass Menschen Farben, Bewegungen und Formen auf unterschiedliche Weise wahrnahmen.

Im Anschluss an diese Aspekte beschlossen Pablo Picasso und George Braque, einige Werke zu entwerfen, die sich an die neue Realität anpassen.

Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)

Er ist einer der bekanntesten Maler der Welt. Er wurde in Malaga geboren, einer Stadt in Spanien. Er zog nach Madrid, um an der Royal Academy of Fine Arts in San Fernando zu studieren. 1900 zog er nach Paris, wo er sein Studium fortsetzte.

Anfangs waren seine künstlerischen Arbeiten klassisch, doch 1906 begann er mit der Produktion seines Gemäldes The Young Ladies of Avignon, das nach Meinung der Kritiker den Kubismus begründete. Dieses Gemälde wurde 1907 ausgestellt und besteht aus 5 nackten Frauen: 4 stehen und 1 sitzt.

Anscheinend haben 3 Damen Gesichter entstellt; aber wenn sie im Detail beobachtet werden, tragen sie afrikanische Masken. Diese Arbeit zeichnet sich dadurch aus, dass sie auf den ersten Blick flach ist; Die Winkellinien geben ihm jedoch Tiefe.

Die jungen Damen von Avignon von Pablo Picasso. Ihre Gesichter sind von afrikanischen Masken inspiriert. Über Wikimedia Commons.

Piccasos kubistische Werke zeichnen sich durch neutrale Farben aus, wobei Schwarz, Grau, Weiß und Braun hervorstechen. er benutzte aber auch dunkelblau und rot.

Sein Ziel war es, die Wesen oder Elemente, von denen er glaubte, dass sie in der traditionellen Kunst weit verbreitet waren, auf andere Weise darzustellen, weshalb er sich darauf konzentrierte, Frauen und Stillleben zu malen.

Georges Braque (1882-1963)

Dieser Künstler war einer der Hauptanhänger von Pablo Picasso, er schloss sich ihm sogar an, um kubistische Malerei zu entwickeln. Er wurde in Le Havre, einer Stadt in Frankreich, geboren. Sein künstlerisches Leben begann in der Werkstatt seines Vaters, wo er sich mit Primär- und Kompositfarben beschäftigte. 1889 zog er nach Paris, um an der Humbert Academy und der School of Fine Arts zu studieren.

Im Gegensatz zu Picasso zeichnen sich Braques kubistische Gemälde durch eine sehr farbenfrohe Darstellung aus, da er Gelb, Grün und Dunkelrot verwendete. Sein Ziel war es, den Werken durch Farbe Tiefe zu verleihen, deshalb kontrastierte er helle Töne mit neutralen. Seine Kreationen sind schwer zu interpretieren, weil die Linien nicht präzise sind oder einige übereinander liegen.

Das Betrachten eines Gemäldes von Braque ist wie das Betrachten einer Schulwerbetafel, auf der zahlreiche Papiere in keiner Reihenfolge platziert wurden. Für diesen Maler war es wichtig, dass der Betrachter die kubistischen Werke durch Fantasie organisiert.

Gemälde von Georges Braque. Über Wikimedia Commons.

Während seiner Karriere malte er verwelkte Landschaften, Musikinstrumente und einfache Gegenstände wie Pfeifen, Gläser, Flaschen und Obstschalen. Ein weiterer grundlegender Aspekt seiner Bilder war, dass er die Buchstaben einbezog; Das heißt, einige seiner Stücke zeigen eine schriftliche Nachricht.

Eigenschaften des Kubismus

Sie experimentierten mit Formen und Objekten

Kubisten erkundeten offene Formen, durchbohrten Figuren und Objekte, ließen den Raum durch sie fließen, mischten den Hintergrund im Vordergrund und zeigten Objekte aus verschiedenen Winkeln.

Einige Historiker haben argumentiert, dass diese Innovationen eine Antwort auf die sich verändernde Erfahrung von Raum, Bewegung und Zeit in der modernen Welt darstellen. Diese erste Phase der Bewegung wurde als analytischer Kubismus bezeichnet.

Verzicht auf Perspektive und Realismus

Die Künstler gaben die Perspektive auf, die seit der Renaissance zur Darstellung des Raums verwendet wurde, und wandten sich auch von der realistischen Modellierung von Figuren ab.

Natur aus der Fantasie

Die Kubisten versuchten, die Natur so zu malen, wie sie es sich vorgestellt hatten und nicht so, wie sie es täglich sahen. Deshalb wird geschätzt, dass jeder Künstler die Landschaft anders dargestellt hat.

Alle dachten jedoch, dass die Welt aus geometrischen Figuren besteht, und verwendeten daher Zylinder, Würfel, Kreise und Dreiecke, um ihre Zeichnungen zu erstellen.

Suchen Sie nach mehreren Gesichtspunkten

Maler wollten, dass ihre Werke verschiedene Sichtweisen haben. Daher wird beobachtet, dass sich die Charaktere oder Objekte in einigen Gemälden in unterschiedlichen Positionen befinden.

Zum Beispiel könnten sie einen Mann von hinten mit dem Gesicht nach vorne malen, während Mund und Augen im Profil waren. Um diesen Effekt zu erzielen, haben sie ihre Bilder so gemacht, als wären sie eine Collage.

Gemälde von Juan Gris, das die Collagetechnik verwendet. Über Wikimedia Commons

Inhalt ist wichtig

Sie legten größeren Wert auf den Inhalt der Arbeit. Mit anderen Worten, für kubistische Künstler war es nicht wichtig, was sie zeichneten, sondern was das Gemälde vermittelte.

Alltagsszenen

Sie machten sich keine Sorgen um die Darstellung der als wichtig erachteten Themen wie religiös und politisch, sondern konzentrierten sich darauf, alltägliche Szenen wie eine Gitarre oder eine Blumenvase zu malen. Der Zweck war, dass sich die Zuschauer emotional mit den Bildern verbinden, die sie sahen.

Kubistische Techniken

Lichteffekt

Die Kubisten machten sich nicht die Mühe, die Hell-Dunkel-Technik zu verwenden, die von Renaissance-Autoren häufig verwendet wurde, um ein Element oder einen Charakter in ihren Werken hervorzuheben. Was die kubistischen Maler benutzten, war die Wirkung von Licht, die sie erzeugten, als sie die Farben Braun und Gelb verbanden.

Kleine bunte Figur und Hintergrund

In kubistischen Gemälden wurde zunächst die dritte Dimension beseitigt. Mit anderen Worten, die Künstler konzentrierten sich nicht darauf, Tiefe zu schaffen, so dass die Bilder früher aus einer einzigen Ebene bestanden. Abschließend wurden nur die Figur und ein nicht sehr bunter Hintergrund dargestellt.

Im Laufe der Zeit begannen die Autoren jedoch, gekrümmte Linien und zusammengesetzte Farben (dh solche, die aus den Primärfarben gebildet werden) zu verwenden, was den Gemälden eine gewisse Dicke verlieh.

Stufen des Kubismus

Der Zweck des Kubismus war es, mit den zuvor gemachten künstlerischen Arbeiten zu brechen, insbesondere mit denen der Autoren der neoklassizistischen Bewegung, deren Gemälde sich als Kopie der Natur und ihrer Schönheit auszeichneten.

Auf diese Weise konzentrierte sich Pablo Picasso, der entschlossen war, keiner realistischen künstlerischen Manifestation zu folgen, nicht nur auf das Studium der afrikanischen Kunst und des technologischen Fortschritts, sondern untersuchte auch detailliert die Gemälde des französischen Malers Paul Cézanne, die sich durch eine schlechte Definition auszeichneten .

Cézanne verwendete nicht die dreidimensionale Technik und die Figuren, die in seinen Arbeiten auffielen, waren die Sphären. Von diesen Vorstellungen der Repräsentation beeinflusst, entwickelte Picasso den Kubismus, der drei Stufen umfasste:

Früher Kubismus (1907-1909)

Viele Autoren sagen, dass diese primitive Periode nicht in die Stadien des Kubismus einbezogen werden kann, weil es nur ein Moment des Experimentierens war. In dieser Phase begannen die Maler jedoch, die Merkmale zu definieren, die ihre Gemälde identifizieren würden, darunter die folgenden:

- Es wurde beschlossen, nur Schwarz-Weiß-Farben zu verwenden. Wenn Sie andere Farbtöne verwenden möchten, sind Grau- und Brauntöne gültig.

- Es war vorzuziehen, Gegenstände und Menschen anstelle von Landschaften zu malen.

- Es war nicht notwendig, dass die Bilder dick oder tief waren.

Analytischer Kubismus (1910-1912)

Auch hermetischer Kubismus genannt, da es sehr schwierig war, das Bild und die Reihenfolge des Gemäldes zu verstehen.

Diese Phase war wichtig, weil sich die Künstler darauf konzentrierten, die Ereignisse des täglichen Lebens zu analysieren, um sie neu zu erschaffen. das heißt, sie beobachteten eine bestimmte Szene, stellten sie sich fragmentarisch vor und malten sie so.

Daher ähneln die Bilder, die während des analytischen Kubismus gemacht wurden, Rätseln. Die Aspekte, die während dieses Zeitraums auffielen, werden nachstehend erwähnt:

- Die Künstler wollten nicht, dass ihre Bilder eine einzigartige Bedeutung haben.

- Die Verwendung von gekrümmten Linien wurde immer häufiger, ein Element, das der Arbeit eine gewisse Tiefe verlieh.

- Die Gelb-, Grün- und Blautöne wurden verwendet, um sie mit den neutralen Farben zu kontrastieren.

- Landschaften wurden in die Gemälde aufgenommen.

Synthetischer Kubismus (1913-1914)

Diese Phase wurde auch als Reintegrationskubismus bezeichnet, da die Künstler beim Malen bereits mehr thematische Freiheit hatten. Der wichtigste Autor dieser Manifestation war George Braque, der die Collage- oder Patch-Technik erfand.

Um den Gemälden Textur zu verleihen und den Wert der Dekoration zu erhöhen, schnitt Braque Papierstücke aus und malte sie auf die Arbeit. Dieses Ereignis führte dazu, dass die kubistischen Porträts einen größeren Einfluss auf die Zuschauer hatten.

Von diesem Moment an verwendeten die Künstler nicht nur Öl- und Acrylfarben für ihre Bilder, sondern auch Materialien wie Stoff, Sand und Glas.

Vertreter und ihre Werke

Der Kubismus war eine Manifestation, die einige Jahre dauerte; Sein Einfluss war jedoch von grundlegender Bedeutung für die Geburt neuer künstlerischer Ausdrucksformen. Aus diesem Grund wird behauptet, dass die von Picasso und Braque begonnene Bewegung nicht nur die Kunstgeschichte verändert, sondern auch gezeigt hat, dass es verschiedene Techniken für die Malerei gibt.

Aber Braque und Picasso waren nicht die einzigen Vertreter des Kubismus, Juan Gris und Fernand Léger betonten auch:

- José Victoriano González Pérez (1887-1927)

Besser bekannt als Juan Gris, war er ein in Madrid geborener Maler. Von 1904 bis 1906 studierte er an der School of Arts and Manufacturing und belegte Kurse in der Werkstatt von José Moreno Carbonero.

Er zog 1906 nach Paris, als er vor dem Militär und der spanischen Regierung floh. In dieser Stadt bekam er eine Unterkunft in demselben Gebäude, in dem Picasso und Braque lebten.

1910 fertigte er seine ersten kubistischen Gemälde an, die wegen ihrer Tiefe nicht gut aufgenommen wurden. Ab 1911 zeichneten sich seine Werke durch ihre Buntheit und Flachheit aus. Dank dieses Malers war der Karikatureffekt in den Gemälden enthalten, er ließ auch die Porträts breiter und länger aussehen.

Ein Beispiel ist seine Arbeit Harlekin mit Gitarre (1919), in der die längliche Figur eines Mannes mit dem Körper nach vorne, aber nach links gerichtet zu sehen ist. Das Gemälde besteht aus Rechtecken, Dreiecken und einigen Wellenlinien, die das Gefühl von Bewegung vermitteln: als würde die Figur das Musikinstrument spielen.

Farben

Juan Gris widmete sich nicht nur der Verbesserung des Stils kubistischer Gemälde, sondern schuf auch seine eigene Collagetechnik, bei der er Zeitung mit Pappe verband. Zu seinen wichtigsten Gemälden gehören:

- Porträt von Pablo Picasso (1912).

- Violine und Schachbrett (1913).

- Stillleben mit Verschluss (1914).

- Amadeo Modigliani (1915).

Stillleben mit Shutter (1914) von Juan Gris. Über Wikimedia Commons.

- Fernand Léger (1881-1955)

Er wurde in Argente, einer Provinz in Frankreich, geboren. 1900 zog er nach Paris, wo er Architekturassistent war und an der Académie Julián studierte. Er bewunderte Paul Cézanne und konzentrierte sich ab 1907 auf das Studium seiner Werke.

Seine ersten kubistischen Bilder wurden 1908 gemalt; obwohl es notwendig ist zu erwähnen, dass sein Stil nicht so entwickelt war wie der von Juan Gris. Trotzdem zeichnete er sich durch die Art und Weise aus, wie er die Primärfarben verwendete, mit denen er die Schatten der zylindrischen Figuren hervorhob und seinen Gemälden Textur verlieh.

Ein weiteres wichtiges Merkmal von Légers Werken war, dass er keine Menschen porträtierte, sondern Roboter und Maschinen zeichnete, die die Menschheit verzehrten. So ist es in seinem Gemälde Akt im Wald (1909) zu sehen, wo ein mit metallischen Gegenständen gefüllter Panzer zu sehen ist; Die geometrischen Figuren, die in der Arbeit hervorstechen, sind der Kegel und der Zylinder.

In diesem Gemälde gibt es nicht einmal einen leeren Raum; Es ist, als hätte der Maler gemeint, dass der Mensch durch Technologie ersetzt würde.

Farben

Fernand Légers Ziel war es, den Beginn einer neuen Welt zu malen, weshalb er Bronze- und Grautöne verwendete, da diese die Farben von Maschinen waren. Einige seiner wichtigsten Werke sind:

- Der Bahnübergang (1919).

- Frau mit einer Katze (1921).

- Drei Frauen (1921).

- Die Mona Lisa mit den Schlüsseln (1930).

Vitral von Fernand Léger befindet sich derzeit an der Zentraluniversität von Venezuela. Über Wikimedia Commons.

- Louis Marcoussis (1878-1941)

Ludwik Kazimierz Wladyslaw Markus, sein richtiger Name, wurde in Polen geboren, zog aber bald nach Paris. Nach seinem Jurastudium zeigte er Interesse an der Malerei, als er die Julianische Akademie betrat. 1905 stellte er zum ersten Mal aus und war damit der Beginn einer bemerkenswerten Karriere.

Er hatte das Glück, Künstler wie Braque, Degas oder Pablo Picasso kennenzulernen, was ihn dazu veranlasste, mit Kubismus zu experimentieren. Während dieser Zeit präsentierte er in verschiedenen Ausstellungen Stillleben, Landschaften der bretonischen Küste oder Ansichten von Paris.

Neben dem Kubismus entwickelte er bis zu seinem Tod 1941 auch Gravur-, Illustrations- oder Impressionismus-Techniken.

Farben

- Le bar du port (1913).

- Violine, Bouteilles de Marc et Cartes (1919).

- Figuren am Strand (1930).

- Der Musiker (1914).

Der Musiker (1914). Louis Marcoussis / gemeinfrei

- Albert Gleizes (1881-1953)

Der gebürtige Pariser war schon in jungen Jahren ein unkonventioneller Junge, der es vorzog, seine Nachmittage damit zu verbringen, Gedichte auf dem Friedhof zu schreiben, anstatt zu spielen oder zur Schule zu gehen. Nach einer Zeit in der Armee begann er als Malerlehrling in der Werkstatt seines Vaters, wo Landschaften seine ersten Arbeiten waren.

Obwohl sein ursprünglicher Stil impressionistisch war, interessierte er sich, als er die Künstler des Viertels Montparnasse kennenlernte, für den Kubismus, eine Bewegung, mit der er während seines künstlerischen Lebens am engsten verbunden war.

Er trat der Puteaux-Gruppe bei und war immer eng mit anderen Genies wie Marcel Duchamp, Jean Metzinger oder Jacques Villon verbunden.

Farben

- Kubistische Landschaft (1914).

- Porträt von Jacques Nayral (1911).

- Figur Cubiste (1921).

- Nackt sitzen (1909).

- Diego Rivera (1886-1957)

Obwohl bekannt für seine Wandbilder, hatte dieser bekannte mexikanische Maler auch eine brillante kubistische Zeit. Der Grund war, dass diese Bewegung, die sich in den 1910er Jahren in Paris niederließ, ihn am stärksten traf.

Obwohl es viele kubistische Werke von Rivera gibt, glauben Wissenschaftler, dass er nicht besonders stolz auf sie war und versuchte, sie geheim zu halten. Später experimentierte er weiter mit anderen avantgardistischen Techniken wie dem Postimpressionismus.

Farben

- Porträt von Ramón Gómez de la Serna (1915).

- Die Frau am Brunnen (1913).

- Porträt zweier Frauen (1914).

- Mutterschaft, Angelina und das Kind Diego (1916).

Verweise

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