ABSTRAKTE KUNST: GESCHICHTE, EIGENSCHAFTEN, MALEREI - KUNST - 2025

Die abstrakte Kunst ist jede Kunstform, die sich von jeder realen Repräsentation löst, um einen völlig anderen Raum als das Natürliche zu schaffen. Dieses Gefühl der Abstraktion wird durch die Verwendung verschiedener geometrischer Formen sowie von Punkten, Linien und reinen Farben erreicht.

Der Abstraktionismus als künstlerische Strömung wird auch als nicht-figurative Kunst bezeichnet. Dies bedeutet, dass dieser Stil keinen Kontakt zur traditionellen repräsentativen Kunst hat. Trotzdem bedeutet diese Distanz zur Realität keine Ablehnung, sondern schlägt eine Opposition oder einen Kontrast vor.

Der Reiter, von Wassily Kandinsky, 1911

Kenner sagen, um abstrakte Kunst zu verstehen, muss man wissen, wie man zwischen Figuration und Abstraktion unterscheidet, da es sich um völlig entgegengesetzte Konzepte handelt. Aus diesem Grund ist es leicht zu unterscheiden, wenn diese künstlerischen Begriffe assimiliert werden, zwischen einem abstrakten Werk und einem figurativen Werk zu unterscheiden.

Abstraktion und Figuration

Das Phänomen der Abstraktion manifestiert sich, wenn es nicht möglich ist, das erzeugte Element mit einem in der Realität existierenden Element zu verknüpfen.

Wenn beispielsweise das Bild eines Baumes aufgenommen und unscharf oder modifiziert wird, kann dieses künstlerische Spiel nicht als Abstraktion betrachtet werden, da das Bild immer noch die Essenz der ursprünglichen Figur bewahrt. das heißt, es bleibt bildlich.

Andererseits können Bilder, die keinen wirklichen Bezug haben, als Abstraktion betrachtet werden. Im Bereich der abstrakten Kunst gibt es verschiedene Aspekte wie geometrische Abstraktion, Formalismus und expressionistische Abstraktion. Sie sind jedoch alle in Bezug auf das Fehlen des wirklichen Referenten verwandt.

Diese Figuren, die sich auf Träume beziehen, können auch nicht als Abstraktion betrachtet werden, da trotz der Tatsache, dass surreale Bilder in Träumen und Albträumen entstehen können (zum Beispiel ein Einhorn), immer noch Referenzen erhalten bleiben, die in der Realität zu finden sind (im Fall) Einhorn, es ist ein Pferd mit einem Horn).

Entfernung von der figurativen Welt

Der Abstraktionismus veränderte die künstlerische Welt radikal, denn vor diesem Ereignis war die Kunst unter der Anleitung der Figuration gehalten worden, obwohl die Form im 19. und 20. Jahrhundert durch andere Bewegungen wie den Impressionismus verschwommen zu sein begann. , Postimpressionismus und Kubismus.

Seit der Zeit, als der Mensch in Höhlen malte, blieb Kunst eine Suche nach der Darstellung der Realität.

Bis zum 20. Jahrhundert war es dem Künstler nicht gelungen, sich von seiner Umgebung und seinem Kontext zu lösen, so dass die abstrakte Kunst eine Öffnung im Epistem eines historischen Moments ermöglichte, der nach großen sozialen Veränderungen und ästhetischer Erneuerung strebte.

Abstraktion kann mit Musik verbunden sein, da Klänge (trotz musikalischer Nomenklatur) nicht figurativ sein können. Farben und Formen sind ebenfalls abstrakt und bieten eine Vielzahl von Möglichkeiten, für die nicht unbedingt ein echter Absender erforderlich ist.

Herkunft und Geschichte

Abstrakte Kunst hat ihren Ursprung in früheren Bewegungen wie Kubismus und Fovismus; Es gibt jedoch insbesondere ein Gemälde, das als Ausgangspunkt für die Trennung zwischen der Darstellung realer Objekte und der visuellen Wahrnehmung von Farben diente.

Dieses Werk gehört dem Maler James McNeill Whistler und trägt den Titel Nacht in Schwarz und Gold: Die fallende Rakete. In diesem Gemälde von 1874 sehen Sie eine Reihe dunkler Farben und es ist schwierig, menschliche Formen oder architektonische Konstruktionen direkt zu finden.

Was leicht zu erkennen ist, sind die Pinselstriche von Licht und Schatten sowie die goldenen Punkte, die an ein Feuerwerk zu erinnern scheinen.

Einfluss von Kubismus, Expressionismus und Fovismus

Mit dem Erscheinen der Werke von Pablo Picasso und Georges Braque wurde ein kraftvoller Zugang zu den geometrischen Formen und den flachen Farben ermöglicht. Ebenso wagte sich Paul Cézanne an die Schaffung einer alternativen Realität; das heißt, er arbeitete an einer Rekonstruktion des Bildlichen.

Die expressionistischen Künstler wiederum haben es sich zur Aufgabe gemacht, die Intensität der Farbpalette und der Formen - auch auf groteske Weise - auszunutzen. Seine Bilder werden von Kritikern als ein Überfluss an Leidenschaften betrachtet, der sich vor einer Zeit großer sozialer Bestürzung reaktionär manifestierte.

Ebenso ist eine Arbeit wie The Scream von Edward Munch wesentlich für die Entwicklung der späteren abstrakten oder nicht figurativen Kunst des 20. Jahrhunderts. Berücksichtigt wird auch das Gemälde mit dem Titel Der Einzug Christi in Brüssel von James Ensor.

Andere große Avantgarde-Vertreter wie Paul Gauguin, Henri Matisse und Georges Seurat gelten als wichtige Inspiration für denjenigen, der später der größte Vertreter des Abstraktionismus wurde, Vasili Kandinsky.

Dies liegt daran, dass die Sprache der rohen Farbe zusammen mit ihren verschiedenen Pinselstrichen den bekannten Pionier stark beeinflusst hat.

Von Baudelaire nach Mallarmé: Versuch, sich vom Referenten zu distanzieren

In der Welt des Schreibens brauten sich auch verschiedene Bewegungen zusammen, um mit dem Etablierten zu brechen und jeden wirklichen Bezug zu beenden. Im Bereich der Buchstaben war diese Trennung etwas schwieriger, da Wörter im menschlichen Geist immer versuchen werden, von ihrem Referenten unterstützt zu werden.

Diese Dichter erreichten jedoch die Verbindung mit der Innerlichkeit der Form durch das akustische Bild des Wortes und lösten sich von dem Konzept, auf das es sich bezieht.

Der große Dichter der Moderne, Charles Baudelaire, war dafür verantwortlich, die Keime für die Idee zu säen, dass alle Sinne auf bestimmte künstlerische Reize reagieren, da diese durch eine tiefe ästhetische Ebene verbunden sind, die sich im Unterbewusstsein des Menschen befindet.

Mit anderen Worten, alle Künste haben die Fähigkeit, bestimmte Empfindungen im Auge, im Ohr und im Geist der Person, die sie wahrnimmt, zu wecken, ohne auf einen echten Referenten reagieren zu müssen.

Ebenso versuchten die bekannten französischen Dichter wie Stéphane Mallarmé, Arthur Rimbaud und Guillaume Apollinaire, sich von der Referenzform zu distanzieren, um sich auf den Genuss des Klangs von Wörtern zu konzentrieren und darauf, was diese im Leser hervorrufen können, ohne sich auf a beziehen zu müssen Konzept.

Dies bedeutet, dass es darum geht, die mentale Struktur des Lesers so zu verändern, dass er sich von den festgelegten Parametern löst und es wagt, verschiedene Empfindungen durch den Klang der Silben zu kombinieren und zu erzeugen. Daher ist es eine Abstraktion innerhalb des Schreibens.

Claude Debussys musikalische Aquarelle

Als musikalischer Vorgänger der späteren abstrakten Kunst gilt der große Komponist Claude Debussy, dessen Musikstücke die Pinselstriche der impressionistischen und postimpressionistischen Maler zu imitieren schienen.

In gleicher Weise ist dieser Komponist auch mit der symbolistischen Bewegung verbunden, da seine Notizen aus einer starken allegorischen Ladung bestanden, die wiederum von einem bemerkenswerten orientalischen Einfluss begleitet wurde.

Dies bedeutet, dass für Musiker wie Debussy und Erik Satie die im Alltag beobachteten Objekte nur Symbole sind, die auf eine viel tiefere Realität reagieren, die sich für den Menschen durch Klang manifestiert, der von Farbe und Bewegung begleitet wird .

Merkmale der abstrakten Kunst

Versucht, die Essenz einzufangen

Obwohl es verschiedene Aspekte hat, ist die abstraktionistische Bewegung hauptsächlich durch die Suche nach dem primitiven Wesen von Objekten gekennzeichnet.

Daher versucht die abstrakte Kunst, in ihren künstlerischen Manifestationen die Erforschung von Bewusstsein und Unbewusstsein auf ihren reinsten Ebenen festzuhalten.

Freiheit

Ein weiteres Hauptmerkmal ist die Freiheit der Anwendung von Techniken und Elementen sowie die Bedeutung dieser Ressourcen.

Dies gilt zum Beispiel eindeutig im Farbfeld: Farben haben ihre eigene künstlerische Ausdruckskraft, ohne auf ein reales Konzept verweisen zu müssen.

Fehlen realer Formen

Dem Abstraktionismus fehlen reale Formen; Es werden nur geometrische Figuren verwendet, da es sich um einen Stil handelt, der eine total einfache Einfachheit der Form anspricht.

Malerei

-Vasili Kandinsky

Für viele Kritiker beginnt abstrakte Kunst mit den Werken von Vasili Kandinsky; Es sollte jedoch beachtet werden, dass 1910 einige französische Adernmurmeln berühmt wurden, was als Beginn der Abstraktion angesehen werden kann.

Kennern zufolge ist die Bedeutung von Kandinsky in der Kunstgeschichte jedoch nicht zu leugnen. Dieser Maler hatte ein Erbe orientalischen Blutes, das er als Inspiration für seine Werke verwendete.

Außerdem gab derselbe Künstler zu, sich von den mythischen Kathedralen Moskaus inspirieren zu lassen; Ihm zufolge bestand die farbenfrohe Architektur der Stadt aus künstlerischen Zusammenstößen in der äußeren Erscheinung, die eine harmonische ästhetische und kulturelle Innerlichkeit widerspiegelten.

Während seiner künstlerischen Arbeit befürwortete Kandinsky die Suche nach dem urzeitlichen Wesen der Form. Aus diesem Grund kann seine Arbeit in drei Worten zusammengefasst werden: Farbe, Wahrnehmung und Empfindung.

Folglich kann festgestellt werden, dass abstrakte Kunst ein Zugeständnis ist, das einen mystischen Zustand des Absoluten voraussetzt; das heißt, es ist einer kontinuierlichen ideologischen und philosophischen Entwicklung verpflichtet.

Der Reiter von Vasili Kandinsky

Das erste abstrakte Aquarell

Um die ästhetische Gesamtheit dieser drei Annahmen zu erreichen, förderte der Autor die Verwendung grundlegender plastischer Elemente wie des Punktes - des Hauptelements innerhalb der Bildarbeit -, der Linie, der Ebene und der Farbe.

Durch die Assoziationen und Verbindungen zwischen diesen Elementen erhielt er neue und unterschiedliche Wahrnehmungen oder Empfindungen für das menschliche Auge.

In Anbetracht dessen kann man sagen, dass die abstrakte Kunst 1910 mit dem ersten abstrakten Aquarell von Kandinsky geboren wurde. In diesem Gemälde können Sie farbige Formen, Linien und plastische Werte ohne Assoziation mit Realitäten sehen; Mit anderen Worten, es ist ein Werk, das aus nicht figurativen Elementen besteht.

Wenn der Betrachter diese Arbeit genau betrachtet, kann er außerdem erkennen, dass das Gemälde hauptsächlich aus Primär- und Sekundärfarben besteht, hauptsächlich aus Blau und Rot. Hervorzuheben sind auch Pinselstriche in Grautönen, die einen Kontrast zur Lebendigkeit der anderen Farben bilden.

Kandinsky abstraktes Aquarell

-Piet Mondrian

Der renommierte niederländische Maler spezialisierte sich nicht auf seine Anfänge im Abstraktionismus, sondern arbeitete zunächst an anderen Stilen wie Naturalismus und Symbolik. Trotz der Vielzahl von Stilen blieb seine bildende Kunst von seinen philosophischen und spirituellen Studien beeinflusst.

Auf der Suche nach der lebenswichtigen Essenz der Dinge spielte Mondrian in besonderer Weise mit der geometrischen Abstraktion, um die grundlegende Strukturierung des Universums in seinen Gemälden zu finden.

Aus diesem Grund werden seine Arbeiten hauptsächlich durch die Farbe Weiß bezeichnet, die aufgrund der vollständigen Präsenz von Licht und allen Farben als „Nichtfarbe“ angesehen wird, und durch die Farbe Schwarz, die auch als „Nein“ bezeichnet wird. Farbe “aufgrund der völligen Abwesenheit von Licht und der Anwesenheit aller Farben.

Eines seiner bekanntesten Werke, das auch mit abstrakter Architektur verbunden ist, ist das Gemälde mit dem Titel Komposition in Rot, Gelb, Blau und Schwarz, das er 1921 gemalt hat.

Darin sehen Sie eine Reihe rechteckiger Figuren in verschiedenen Größen und Farben; Die Palette ist jedoch recht einfach und primär: Wie der Name schon sagt, sind es die Farben Rot, Gelb, Blau und Schwarz, die möglicherweise an die Gemälde des Expressionisten Mark Rothko erinnern.

Komposition in Rot, Gelb, Blau und Schwarz von Piet Mondrian

Skulptur

Die Skulptur war in der abstraktionistischen Bewegung nicht weit entfernt; Tatsächlich führte es eine Neuheit innerhalb des Stils ein: Dreidimensionalität. Dies geschah, weil in der abstrakten Malerei die Figuren immer flach sind, während in der Skulptur die Tiefe der Form gefördert wird.

-Henry Moore

Einer seiner Hauptvertreter war der britische Bildhauer Henry Moore, dessen monochrome Figuren laut demselben Künstler Bewegung zu haben scheinen und eine leichte romantische und viktorianische Inspiration bewahren.

Moore gab auch zu, von großen Renaissancekünstlern wie Giotto, Michelangelo und Giovanni Pisano beeinflusst worden zu sein. Darüber hinaus war der Autor von den Formen der präkolumbianischen Tolteken- und Maya-Skulpturen begeistert.

Seine vielen abstrakten Formen wurden hauptsächlich in Marmor und Bronze geschnitzt. Zu Beginn seiner Karriere wandte Moore direktes Schnitzen an; In den 1940er Jahren beschloss der Bildhauer jedoch, mit dem Gips- oder Tonformen zu beginnen, und wendete auch die traditionelle und alte "Wachsausschmelzform" an.

Wellen

Seine Skulpturen haben als Hauptmerkmal die Verwendung welliger Formen und leerer Räume, eine Inspiration, die er Kritikern zufolge aus den Landschaften der englischen Grafschaft Yorkshire, seiner Heimat, gewonnen hat.

Trotz der Tatsache, dass die abstrakte Malerei die Beseitigung des Figurativen befürwortet, können in den Werken von Henry Moore Abstraktionen wahrgenommen werden, die nicht vollständig von der menschlichen Figur losgelöst sind. Sie können sogar die Darstellung des weiblichen Körpers und der mütterlichen Figuren unterscheiden.

Eines der bekanntesten Werke von Moore heißt Three Way Piece No. 2 und befindet sich auf dem Toronto City Hall Plaza und wurde 1964 hergestellt.

Dieses monochrome skulpturale Stück ist eines der Stücke, die am besten zu den Regeln der Abstraktion passen, da seine Form nicht direkt mit einer realen Referenz verknüpft werden kann.

Drei-Wege-Stück Nr. 2 (The Archer) (1964-65) Toronto City Hall Plaza

-Richard Serra

Ein weiterer großer Vertreter der abstrakten Skulptur ist der bekannte Plastikkünstler Richard Serra mit amerikanischer Nationalität. Dieser noch lebende Künstler wird von Kritikern als einer der besten Bildhauer unserer Zeit angesehen.

Serra ist ein Bildhauer mit minimalistischem Charakter, der es vorzieht, mit riesigen Platinstahlstücken zu arbeiten, was seine ästhetische Arbeit bewundernswerter macht.

Die erste Stufe des Künstlers entspricht am besten den abstraktionistischen Idealen, für die er hauptsächlich geschmolzenes Bleimaterial verwendete.

Stahlwerke

Er ist auch dafür bekannt, große rechteckige Stahlkonstruktionen herzustellen. Einer der bekanntesten ist der sogenannte Tilted Arc, der 3,5 Meter hoch ist und eine suggestive und subtile Krümmung aufweist. Diese Skulptur ist heute auf der Federal Plaza in New York City zu sehen.

Eine andere abstrakte Skulptur, die von Kunstkritikern hoch gelobt wird, ist Snake, die aus drei Schichten Stahl besteht, die ebenfalls eine Krümmung aufweisen (die Kurven innerhalb der geometrischen Formen sind die repräsentativsten Merkmale dieses Künstlers). Die Arbeit befindet sich im Guggenheim Museum Bilbao.

Eines der bekanntesten und am besten ausgearbeiteten Werke von Serra heißt The Matter of Time. Es besteht aus sieben bemerkenswerten großen Skulpturen aus dem Lieblingsmaterial des Künstlers: Cortenstahl.

Diese Figuren bestehen ausschließlich aus runden und schrägen Formen, die an die Formen der Natur und den runden und trügerischen Charakter der Zeit als menschliche Konstruktion erinnern.

Gekippter Bogen

Die Architektur

Während des 20. Jahrhunderts manifestierte sich eine Suche nach dem Wesen und den primitiven Formen auch innerhalb der architektonischen Disziplin. Aus diesem Grund dominieren in der abstrakten Architektur geometrische und flache Figuren, die ebenfalls im minimalistischen Stil ausgeführt werden.

Die zu diesem ästhetischen Stil gehörende Architektur versucht wiederum, dem wahren Wert der Form näher zu kommen und sie vom Chaos und der Willkür der alltäglichen Realität zu lösen. Innerhalb dieser Elemente ist das architektonische Stück von der Natur inspiriert, taucht jedoch zunehmend auf der Suche nach der Einfachheit des künstlerischen Geistes auf.

In der Architektur ist es notwendig, die Prinzipien der bildlichen Abstraktion anzupassen, da sie wie die Skulptur eine dreidimensionale Realisierung der Form erfordert. Darüber hinaus muss der Künstler vor dem Ausführen der Infrastruktur hinterfragen, ob die Form, die er produzieren möchte, in der konkreten Realität ausgeführt werden kann.

Im Allgemeinen besteht die abstrakte Architektur aus großen rechteckigen Fenstern sowie einfachen und festen quadratischen Formen.

-Mies van der Rohe

Einer der bekanntesten abstrakten Architekten ist die deutsch-amerikanische Mies van der Rohe, die als einer der wichtigsten Künstler der modernen Architektur in die Geschichte eingegangen ist. Er war Direktor der bemerkenswerten deutschen Bauhausschule; Er musste jedoch sein Amt wegen des Eintritts des Nationalsozialismus niederlegen.

Seine Architektur ist für seine Einfachheit und Klarheit bekannt, Eigenschaften, die für den Abstraktionismus sehr typisch sind. Die bevorzugten Materialien des Künstlers waren Industriestahl und bemerkenswerte Glasscheiben, die er für die Innenausstattung der Fassade verwendete.

Eines seiner bekanntesten Werke befindet sich in Barcelona und ist nach dem 1929 fertiggestellten deutschen Pavillon benannt. Seine Architektur besteht aus einfachen geometrischen Figuren und zieht aufgrund seiner bescheidenen Größe die Aufmerksamkeit auf sich. Es besteht aus einer freien Pflanze und behält bemerkenswerte Einflüsse der Neoplastizität bei.

Deutscher Pabello. Von Tassilirosmar aus Wikimedia Commons

-Gerrit Rietveld

Gerrit Rietveld war ein renommierter Plastikkünstler mit unterschiedlichen Facetten, da er sich nicht nur durch Architektur, sondern auch durch Zimmerei und Design auszeichnete. Seine Utensilienentwürfe wie der Rote und Blaue Stuhl von 1918 kennzeichnen den modernen und geometrischen Charakter als ein für die Zeit typisches Element.

Sein berühmtestes architektonisches Werk, das der abstrakten Ästhetik am ähnlichsten ist, ist das sogenannte Rietveld-Schröder-Haus, das 1924 erbaut wurde. Heute wird dieser Ort als Museum genutzt.

Sowohl das Innere als auch das Äußere des Hauses implizieren eine Änderung aller vorherigen architektonischen Parameter. daher die Bedeutung der Arbeit.

Im Haus gibt es keine Räume, es gibt nur einen weiten offenen Bereich. Die Außenfassade besteht aus Linien und Ebenen, die beabstandet und farbig sind, um etwas anderes zu schaffen.

Rietveld Schröderhuis. Von Basvb aus Wikimedia Commons

Musik

Wie in den ersten Absätzen erwähnt, ist es wichtig, sich daran zu erinnern, dass Musik selbst abstrakt ist, da sie nicht figurativ sein kann, obwohl sie eine symbolische Nomenklatur für Partituren hat.

Abstrakte Musik kann daher nicht als künstlerische Bewegung existieren. Es gibt jedoch einen Musikstil, der unter dem Namen absolute Musik bekannt ist und aus solchen Musikwerken besteht, die keinen zusätzlichen musikalischen Zusatz haben. Das heißt, sie sind mit keinem Text verknüpft.

Mit anderen Worten, der absoluten Musik fehlen Poesie und Texte, sie ist lediglich eine instrumentale Komposition; Daher kann jede Musik ohne Lyrik als zu diesem Genre gehörend angesehen werden. Einige Beispiele finden sich in Sonaten, Symphonien oder Konzerten.

Während des 20. Jahrhunderts gab es mehrere Komponisten, die sich durch ihre musikalischen künstlerischen Innovationen auszeichneten und mit den Anfängen des Abstraktionismus zusammenfielen. Zu den bekanntesten zählen Igor Strawinsky und Maurice Ravel.

-Igor Strawinsky

Strawinsky war ein russischer Dirigent und Komponist, der als einer der besten Musiker des 20. Jahrhunderts gilt. Als er 89 Jahre alt wurde, hatte er die Möglichkeit, verschiedene musikalische Aspekte zu erkunden. Seine bekanntesten Werke waren jedoch jene, die in seinen ersten Jahren seiner künstlerischen Karriere entstanden sind.

Eine seiner bekanntesten Kompositionen heißt The Firebird, ein Ballett, das 1910 in Paris erstmals uraufgeführt wurde.

-Maurice Ravel

Wie Claude Debussy zeichnete sich dieser renommierte französische Komponist durch die sogenannte impressionistische Musik aus, die sich durch orientalische Einflüsse und die Hervorrufung von Farben durch Klänge auszeichnet. Ravel behielt auch Merkmale des Expressionismus und des Neoklassizismus bei.

Dieser Musiker ist für verschiedene Werke bekannt, und eines seiner meistgespielten Stücke ist der Bolero, der 1928 in Paris uraufgeführt wurde. Von diesem Moment an war der Erfolg dieser Komposition massiv und universell. Seine Orchesterbewegung ist inspiriert von dem damals sehr beliebten heißen spanischen Tanz.

Verweise

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