DIE 15 WICHTIGSTEN MERKMALE DES THEATERS - KUNST - 2025

Die wichtigsten Merkmale des Theaters hängen eng mit den Elementen zusammen, die jedem Stück oder jeder Aufführung gemeinsam sind. Der Begriff Theater hat seinen Ursprung im griechischen Wort Theatron, was "Ort zum Anschauen" bedeutet.

Daher bezog sich das Theater ursprünglich sowohl auf einen Ort als auch auf eine bestimmte Form der Wahrnehmung. Heutzutage kann sich das Konzept des Theaters auf Folgendes beziehen: ein Gebäude, eine Aktivität (Theater besuchen oder Theater machen), eine Institution und eine Kunstform.

Theater ist der Zweig der szenischen Kunst im Zusammenhang mit der Schauspielerei und der Darstellung von Geschichten vor einem Live-Publikum, wobei eine Kombination aus Reden, Gesten, Kulissen, Musik, Klängen und Spektakeln verwendet wird, um den Betrachter zu stimulieren und zu begeistern.

Der Geist spielt auch im Theater eine wichtige Rolle, da dieser künstlerische Ausdruck entsprechend der Wahrnehmung und Vorstellungskraft des Zuschauers entschlüsselt wird.

Alle Stücke haben gemeinsame Elemente, die diese Kunst charakterisieren. Im Folgenden sehen Sie die wichtigsten Funktionen detaillierter.

15 charakteristische Elemente des Theaters

1- Handlung

Quelle: Morruelo über Wikimedia Commons)

Es ist das, was in der Arbeit passiert. Es bezieht sich auf Aktion. Die Organisation von Ereignissen oder die Auswahl und Reihenfolge von Szenen in einem Stück. Nach Aristoteles handelt es sich um ein abstraktes Konzept, das sich auf die Disposition der Ereignisse bezieht, die den Rohstoff und die Bestandteile der Geschichte bilden.

Die Handlung ist die Art und Weise, wie diese Vorfälle zu einem zusammenhängenden Ganzen strukturiert sind. Wenn die Anordnung der ursprünglichen Bestellung geändert wird, wird ein neuer Rahmen generiert. Im Theater überwiegen zwei Arten von Handlungen. Als nächstes seine Hauptmerkmale und Unterscheidungsmerkmale:

Auflösungsrahmen

• Die Handlung beginnt spät in der Geschichte, näher am Ende oder Höhepunkt.
• Deckt einen kurzen Zeitraum ab.
• Es enthält einige solide und erweiterte Szenen.
• Es tritt an einem eingeschränkten Ort, in einem Raum oder in einem Haus auf.
• Die Anzahl der Zeichen ist stark begrenzt.
• Es werden nur wenige Nebenhandlungen ausgelöst.
• Die Aktionslinie verläuft in einer Kette von Ursache und Wirkung. Charaktere und Ereignisse sind in einer fast unvermeidlichen Abfolge logischer Entwicklungen eng miteinander verbunden.

Handlung enthüllen

• Die Handlung beginnt relativ früh in der Geschichte und durchläuft eine Reihe von Akten.
• Deckt lange Zeiträume ab.
• Viele kurze und fragmentierte Szenen oder der Wechsel zwischen kurzen und langen Szenen.
• Es kann eine ganze Stadt oder sogar mehrere Länder abdecken.
• Fülle von Charakteren.
• Häufig gekennzeichnet durch mehrere Handlungsstränge, mehrere parallele Geschichten.
• Die Szenen sind miteinander verbunden. Ein Ereignis kann aus mehreren oder keinen offensichtlichen Gründen auftreten, tritt jedoch in einem Netzwerk von Umständen auf.

2- Thema

Quelle: Martinbayo über Wikimedia Commons)

Während sich die Handlung auf die Handlung des Stücks bezieht, bezieht sich das Thema auf die Bedeutung des Stücks. Manchmal ist es im Titel klar angegeben.

In anderen Fällen kann dies durch einen Dialog eines Charakters festgestellt werden, der als Stimme des Dramatikers fungiert. Manchmal ist das Thema weniger offensichtlich und entsteht erst nach Analyse des Arbeitsinhalts.

3- Zeichen

Sie sind die Menschen, Tiere oder Ideen, die von den Schauspielern des Stücks repräsentiert werden. In struktureller Hinsicht sind die Charaktere die Agenten des Handelns, diejenigen, die die Motivation für das Auftreten der Ereignisse in der Handlung liefern.

Jeder Charakter sollte seine eigene Persönlichkeit, sein Alter, sein Aussehen, seine Überzeugungen, seinen sozioökonomischen Hintergrund und seine Sprache haben. Entsprechend ihren Funktionen in der Arbeit können einige Arten von Zeichen beschrieben werden:

• Protagonist : Die Hauptfigur.
• Antagonisch : Der Hauptgegner der Hauptfigur.
• Gegenstücke : Sie enthüllen einige Aspekte der Hauptfigur, indem sie ähnliche oder unterschiedliche Umstände oder Verhaltensweisen aufweisen.

4- Skript oder Text

Dies ist der Ausgangspunkt der Theateraufführung. Es ist der Text, mit dem das Stück erstellt wird. Es besteht aus Dialogen, Bühnenanweisungen, Charakterbeschreibungen und dergleichen in einem Stück. Es bezieht sich auf die Wörter, die vom Dramatiker geschrieben und von den Charakteren interpretiert wurden.

5- Geschlecht

Besondere Klasse der Arbeit. Das Geschlecht kommt von einem französischen Wort, das "Kategorie" oder "Typ" bedeutet. Die Wahl des Genres spiegelt den Standpunkt des Schriftstellers zum Thema wider.

Die folgenden Arten von Theaterstücken werden normalerweise im Theater aufgeführt: Tragödie, Komödie, Melodram und Tragikomödie. Jedes dieser Genres kann nach Stil und Inhalt weiter unterteilt werden in:

Tragödie

Es ist eine Nachahmung einer Handlung, die ernst, komplex und relevant ist. Die Tragödie ist von Natur aus ernst und befasst sich mit tiefen Problemen. Diese tiefen Themen sind universell und wecken beim Publikum Mitgefühl und Angst, wenn sie Zeuge der Aktion werden.

Komödie

Sie hat die Vision, das Publikum zum Lachen zu bringen, sie ist normalerweise körperlich und energisch. Das Verhalten der vorgestellten Charaktere ist lächerlich und manchmal absurd. Es regt das Publikum an, das Verhalten der Gesellschaft zu korrigieren.

Melodrama

Es ist das Drama der Katastrophe, Umstände, die außerhalb der Kontrolle des Protagonisten liegen, verursachen die wesentlichen Ereignisse der Handlung. Die Schuld- und Verantwortungsaspekte des Protagonisten werden beseitigt.

Der Protagonist ist ein Opfer der Umstände. Das Melodram hat ein Gefühl strenger moralischer Beurteilung. Alle vorgestellten Probleme werden klar definiert gelöst. Gute Charaktere werden belohnt und schlechte Charaktere bestraft.

Tragikomödie

Es ist ein Spiegelbild des Lebens selbst, es enthält alle vorherigen Genres. Es gibt nicht vor zu urteilen oder absolute Urteile zu fällen. Es konzentriert sich auf Charakterbeziehungen und zeigt die Gesellschaft in einem Zustand ständigen Wandels.

6- Kostüme und Make-up

Sie sind Elemente, die dazu dienen, die Schauspieler bei der Neuerstellung eines Charakters zu charakterisieren.

Umkleideraum

Bezieht sich auf Kleidung und Accessoires, die ein Schauspieler oder Darsteller auf der Bühne trägt. Die alten Griechen waren die Pioniere bei der Entwicklung spezifischer Kostüme für jede Figur. Diese Kunst diente dazu, das Mittelalter wiederzubeleben und den großen Marquis des Hofes darzustellen.

Bilden

Es ist die Verwendung von Kosmetika bei der Veränderung des physischen Erscheinungsbilds eines Schauspielers, um sein Erscheinungsbild an eine bestimmte Rolle anzupassen oder die Auswirkungen der Bühnenbeleuchtung zu kompensieren.

Die Kunst des Schminkens wurde durch die Einführung der Elektro- und Gasbeleuchtung revolutioniert und ist mittlerweile zu einer hochtechnischen Praxis geworden.

7- Licht- und Soundeffekte

Die Platzierung, Intensität und Farbe der Lichter sowie die Soundeffekte helfen dem Regisseur, das Ambiente, die Stimmung oder das Gefühl in einer Szene zu kommunizieren.

Die Beleuchtung wurde als ein wichtiges Merkmal der Theaterproduktion erkannt, als während der Renaissance erstmals Innenaufführungen mit Kerzen und brennbaren Flüssigkeiten aufgeführt wurden.

Zu den entscheidenden Innovationen in der Lichttechnik gehörten die Einführung von Stehlampen, die Verwendung von Reflektoren zur Erhöhung der Intensität von Lichtstrahlen und das Dimmen von Lichtern im Auditorium im Jahr 1876.

Die Entwicklung der Gasbeleuchtung im frühen 19. Jahrhundert war trotz der damit verbundenen Gefahren ein großer Fortschritt. Der Einsatz elektrischer Beleuchtung begann 1879 am California Theatre in San Francisco.

Die heutigen Beleuchtungssysteme in modernen Theatern werden von hochentwickelten computergestützten Dashboards gesteuert, die die Beleuchtung eines gesamten Systems koordinieren können. Weitere aktuelle Innovationen waren Experimente mit ultraviolettem Licht, Lasern und Holographie.

Soundeffekte sind die Geräusche, die erzeugt werden, um eine Szene in einem Stück zu begleiten, die von Computern oder von Schauspielern auf und neben der Bühne erzeugt werden können.

8- Direktor

Er ist verantwortlich für die gesamte Produktionseinheit und für die Koordination der Bemühungen der Künstler. Die Aufgabe des Regisseurs ist für die Produktion eines Stücks von zentraler Bedeutung, da der Regisseur die Vision für die Produktion für alle Beteiligten festlegt.

Der Regisseur hat die herausfordernde Aufgabe, viele komplexe Teile einer Produktion zusammenzufügen: das Drehbuch, die Schauspieler, die Kostüme, die Beleuchtung, den Klang und die Musik zu einem einheitlichen Ganzen. Um diese Aufgabe auszuführen, benötigt ein Manager:

• Interpretieren Sie das Skript.
• Arbeiten Sie mit Designern zusammen.
• Proben planen.
• Führen Sie die Schauspieler bei ihren Arbeiten während der Proben.

Die Arbeit des Regisseurs basiert häufig auf einer detaillierten Untersuchung und Analyse des zu bearbeitenden Skripts. Viele sorgfältige Lesungen des Drehbuchs helfen dem Regisseur, eine individuelle Sicht auf die Absichten des Dramatikers zu entwickeln. Ihre Wahrnehmung wird jeden Aspekt der Produktion beeinflussen.

Die Regisseure studieren auch die Charaktere im Drehbuch und sammeln so viele Informationen wie möglich über ihre physischen und psychischen Eigenschaften, was für die Auswahl des Castings von entscheidender Bedeutung ist.

9- Hören

Quelle: Prosperoproducciones über Wikimedia Commons)

Gruppe von Menschen, die die Arbeit sehen. Viele Dramatiker und Schauspieler betrachten das Publikum als das wichtigste Element des Theaters, da alle Anstrengungen, die in das Schreiben und Produzieren eines Stücks gesteckt werden, dem Vergnügen des Publikums dienen.

Da die Dolmetscher im Theater in direkter Präsenz mit der Öffentlichkeit stehen, ein kreisförmiger Energiefluss erzeugt wird, beeinflusst der Schauspieler das Publikum und umgekehrt. Dieser Effekt wird durch die Tatsache verstärkt, dass das Theater eine Gemeinschaftsveranstaltung ist.

Die Gruppenerfahrung ist unverzichtbar, da die Gruppe die vom Einzelnen erlebten Emotionen verstärkt und ein kollektives Bewusstsein schafft. Wenn eine Gruppe von Personen auf ähnliche Weise wie auf der Bühne reagiert, wird ihre Beziehung zu anderen bestätigt und gestärkt.

Der Grad der Trennung zwischen Besetzung und Publikum unterscheidet das konventionelle Theater vom partizipativen Theater.

Im ersten Fall nutzt das Publikum seine Fantasie, um am Stück teilzunehmen und sich von der Handlung zu lösen. Im zweiten Fall interagieren die Schauspieler mit dem Publikum und versuchen, einem etablierten und improvisierten Drehbuch zu folgen, wobei die persönliche Entwicklung oder Gruppentherapie im Vordergrund stehen.

Im Theater wird ein Publikum gebeten, viele Arten von imaginären Welten zu akzeptieren. Eine Möglichkeit, diese imaginären Bereiche zu unterscheiden, besteht darin, sie in ein sogenanntes realistisches und unrealistisches Theater zu unterteilen.

Der Realismus, der im späten 19. Jahrhundert zur dominierenden Form des europäischen Theaters wurde, versucht, das Leben so genau nachzubilden, dass das Publikum davon ausgeht, dass es Leben sein muss. Der Nicht-Realismus hingegen versucht, die beobachtete Realität zu überschreiten und den Teil des Lebens darzustellen, der im Geist existiert.

Es ist jedoch ein Fehler anzunehmen, dass sich diese beiden Ansätze gegenseitig ausschließen. Die meisten Bühnenaufführungen enthalten eine Mischung aus realistischen und unrealistischen Elementen.

10- Szenografie

Es dient dazu, die Umgebung, in der die Handlung stattfindet, wiederherzustellen. Die Szenografie hat folgende Ziele:

• Geben Sie den Ton und den Stil der Produktion an.
• Stellen Sie Zeit und Ort fest.
• Unterscheiden Sie Realismus von Nicht-Realismus.
• Koordinieren Sie die Landschaft mit anderen Elementen.
• Beschäftige dich mit den Einschränkungen des Bühnenraums und des Offstage-Bereichs.

Alle diese Ziele werden in mehreren Besprechungen zwischen dem Regisseur, dem Bühnenbildner und dem Designteam angesprochen. Später spiegeln sich die Ideen in Skizzen wider, die es nach Überarbeitung, Analyse und Modifikation ermöglichen, das Bühnenbild zu entwickeln, das am besten zur Geschichte und Vision der Kreativen passt.

Sobald diese Phase abgeschlossen ist, werden die Entwürfe an einen technischen Direktor geliefert, der die erforderlichen Konstruktionen, Anpassungen und Installationen auf der Bühne für die Verwirklichung des geplanten Vorgangs vornimmt.

11- Stufe

Es sind die Theaterausrüstungen wie Vorhänge, Böden, Kulissen oder Plattformen, die in einer dramatischen Produktion verwendet werden.

12- Requisiten

Quelle: Martinbayo über Wikimedia Commons)

Es gibt verschiedene Kategorien von Requisiten. Ein Großteil der Handheld-Requisiten stammt aus dem Skript und ist vom Regisseur erforderlich. Der Bühnenbildner fordert normalerweise auch Requisiten wie die Möbel an, die auf der Bühne erscheinen. Manchmal gibt es eine feine Trennlinie zwischen dieser Art von Requisiten und der Szenografie.

Requisiten sind alle beweglichen Gegenstände, die während einer Aufführung erscheinen, ausgenommen Kostüme und Bühnen. Sie sind Gegenstände, die von einem oder mehreren Akteuren manipuliert wurden. Unter anderem ein Buch, eine Waffe, ein Glas Wein.

13- Apostelgeschichte

Quelle: Martinbayo über Wikimedia Commons)

Sie stellen eine wichtige Spaltung in der Entwicklung des Stücks dar. Die meisten Stücke von der elisabethanischen Zeit bis zum 19. Jahrhundert wurden von Dramatikern oder späteren Herausgebern in fünf Akte unterteilt.

Im späten 19. Jahrhundert begannen viele Schriftsteller, Theaterstücke mit vier Akten zu schreiben. Heutzutage sind ein, zwei und drei Akte die häufigsten Spiele.

14- Theater (Gebäude)

Es ist der Raum, in dem Schauspieler oder Publikum zusammenkommen. Es ist wichtig, einen Bereich zu haben, in dem der Künstler, der Performer, mit einem Live-Publikum kommuniziert.

Theatergebäude entwickelten sich von den Open-Air-Amphitheatern der Griechen und Römer zu der unglaublichen Vielfalt der Formen, die wir heute sehen. Es ist ein Raum, der den emotionalen Austausch zwischen der Besetzung und dem Publikum unterstützt.

15- Konvention

Quelle: Alain Chaviano über Wikimedia Commons)

Eine Theaterkonvention ist ein praktisches Werkzeug, mit dem der Dramatiker oder Regisseur die Geschichte des Theaterstücks erzählt. Die häufigste Theaterkonvention ist die der Charaktere, die miteinander sprechen und so tun, als würden sie das Publikum nicht bemerken.

Oft als vierte Wand oder vierte Bildschirmkonvention bezeichnet, simuliert sie die Existenz einer (unsichtbaren) Trennung zwischen den Schauspielern und dem Publikum.

Ursprünge und historische Entwicklung des Theaters

Wann genau das Theater begann, ist ein Rätsel. Prähistorische Jäger erzählten Geschichten über ihre Jagdexpeditionen. Die alten Ägypter führten heilige Lieder auf und tanzten in religiösen Zeremonien für ihre Götter. Aber die Idee des Theaters als dramatische Unterhaltung kam später.

Die englischen Wörter für Tragödie und Komödie stammen bekanntermaßen aus der Sprache der alten Griechen. Obwohl die Griechen nicht die ersten waren, die Theaterstücke aufführten, interessierten sie sich sehr für die Ursprünge von Tragödie und Komödie.

In ihren Schriften schlugen der Philosoph Aristoteles und andere griechische Schriftsteller Theorien vor und stellten Hypothesen darüber auf, wie sich die Kunstform des Theaters entwickelte.

Griechische Theaterstücke wurden in Freilufttheatern aufgeführt. Anfangs befanden sich die Theater in offenen Bereichen im Zentrum der Stadt oder neben Hügeln. Das Publikum war bereit zuzuhören und den Chor über die Abenteuer eines Gottes oder eines Helden singen zu sehen.

Gegen Ende des 6. Jahrhunderts v. C. wurden die Theaterstrukturen ausgefeilter. Als das Theater in den Städten immer beliebter und wettbewerbsfähiger wurde, wurden die Theater immer größer und konnten bis zu 15.000 Menschen gleichzeitig aufnehmen.

Das Theater gibt es schon, seit die Leute zusammenkamen, um zu hören, wie jemand anderes eine Geschichte erzählt. Freunde und Familie teilten die Verantwortung des Publikums und des Darstellers und tauschten die Rollen, solange jemand eine Geschichte zu teilen hatte.

Das moderne Theater mag formeller sein, mit Schauspielern, die darauf trainiert sind, eine Geschichte nachzubilden, und anspruchsvollen Zuschauern, die auf eine Inszenierung reagieren, aber die Idee, Energien zwischen der Besetzung und einem Live-Publikum zu teilen, bleibt unverändert.

Verweise

1. Cameron, K. und Gillespie P. (1999). Der Genuss des Theaters, 5. Auflage. Boston: Allyn und Bacon.
2. Columbus State University: Theateranerkennungsbedingungen von Deb Moore. Wiederhergestellt von: theater.columbusstate.edu.
3. Di Benedetto, S. (2012). Eine Einführung in das Theaterdesign. Oxon, Routledge.
4. Northern Virginia Community College: Einführung in das Theater von Dr. Eric W. Trumbull. Wiederhergestellt von: novaonline.nvcc.edu.
5. Wilson, E. (2010). Das Theatererlebnis. New York, McGraw-Hill.
6. Wolf, L. (2012). Einführung in das Theater: ein direkter Ansatz. Bloomington, Xlibris Corporation.